Kulturvermittlung Schweiz - Hand aufs Herz: Wie offen sind wir wirklich?

There is no true word that is not at the same time a praxis…When a word is deprived of its dimension of action, reflection automatically suffers as well; and the word is changed into idle chatter…into an alienated and alienating blah’.

We live at a time in which dialogue is held up as a fundamental value, while its results are often ignored; when conversation has been economised, when lies are commonplace and important conversations are staged within spectatorial regimes.

In the cultural sphere, we often tread fine lines between dialogue that is transformative and dialogue that is an instrument of state and corporate manipulation.

The Centre for Possible Studies was created from within this moment of ambivalence as an offsite project of the Serpentine Gallery in November, 2008. The conceptual and physical base for the Edgware Road Project, it engages visiting and local artists in collaborations with places and people in this London neighbourhood, The Centre for Possible Studies attempts to alter the traditional hierarchies associated with artistic and curatorial production, by promoting ideas of co-research between artists and those who live, work or visit the neighbourhood. Residencies or ‘fellowships’ enable artists from abroad as well as those working in London to link with local groups based on common interests. Fellowships are also offered to community organizations in the neighbourhood, who are able to develop independent research there.

The independence and poetics of research characterised by the ‘possible study’ are extremely important as the Edgware Road neighbourhood, an area that is at once the site of high end housing and an important entry point for new migrants and refugees to the city, becomes the focus of property developers, police and corporate headquarters. Within such a gentrification process (described in the UK as ‘regeneration’) as many have written, the arts are frequently used to foster ‘dialogue’ that masks relations of power and inequity; to bring people together to ‘brighten up’ areas right before they are actively de-housed or to memorialise what is gone avant la letter, neutralising moments of struggle. Arts educators, curators and artists find themselves equally enlisted into these processes in which art or the artist are positioned as inherently good and inherently ‘other’ to the development process, in spite of the fact that the artistic and property development have been linked for many years.

While important experiences emerge from such processes these terms and hierarchies are very rarely exposed.

Attending to these inequities in the context of artistic/social/political experimentation is the basis for the Centre for Possible Studies’ commitment to a framework of co-research. In co-research dialogue (the connecting of the word and the world) de-stabilises the status of the artist as socially autonomous, exceptional or genius by asking artists to re-conjugate themselves in relation to the realities and struggles of local people and vice versa. Teenagers work with artists Bahbak Hashemi Nahzhad and Susan Hefuna to find forms for their questions about of the process of de-housing, teachers,activists, students and artists Ultra-red work together to re-write curriculum that highlights the effects of UK immigration policies in the form of an opera, and people of all ages come together to study the current processes in collective film-making with London-based no.w.here.

Such a re-positioning of the artist would not be possible without a degree of commitment to the terms of speaking and listening and the traditional hierarchies to be found within the programmatic structures of the gallery itself. The Centre for Possible Studies is part of an ‘integrated’ approach to programming developed by Sally Tallant, the Gallery’s Head of Programming at the Serpentine Gallery. Dialogue in this context involves the regular meeting of a programming team – including exhibition, education, public programming and projects curators to transform traditional hierarchies between ‘Exhibition’ and ‘Education’ (and their associated class and gender inequities). Beyond simply information sharing, or the exchange of ideas, dialogue for this group is the site for a re-organisation of roles and working processes, developing common and shared projects and observing when this does not take place and why. Joint initiatives such a gallery Project Room in which curators experiment by working with artists who links education and object making is a central feature of this group ,as is the attempt to link the practices and struggles of the Edgware Road with those of the gallery, reveal that change occurs only by working attentively towards it in daily practice.

Within every ‘possible study’ there are many impossibles. Lack of time, exhaustion, habitual work patterns and privileges, hierarchies invested in desire, the feared consequences of honest accounts are all barriers to this work. However, if we are to posit our dialogic actions as the ‘reading of the word and the orld together’, it is through a vigilant approach to ‘true words’ that we should continue to strive.

Janna Graham is experimenting with modes of public participation, knowledge formation and radical relationship-making in collaboration with artists, community groups and organizers. She has worked for the Art Gallery of Ontario in Toronto and is now Education Project Curator at Serpentine Gallery London.

Article of Janna Graham in PDF format (with bibliography) >>

Seit der Eröffnung des Museo di Fotografia Contemporanea (Museum für zeitgenössische Fotografie) im April 2004 war ich der Ansicht, dass es wichtig wäre, in zwei Richtungen vorzugehen, wenn es um den Versuch geht, eine Identität unserer neuen Institution aufzubauen: Einerseits wäre über das “Zeitgenössische” der Fotografie mittels Initiativen nachzudenken, die die traditionelle Vorstellung von der Fotografie als einem Objekt, das dem Kunstmarkt anzuvertrauen und an die Wand zu hängen ist, zur Diskussion stellen würden. Andererseits wäre dem dezentralen Standort dieses Museums eine Bedeutung zu verleihen: es ist innerhalb der ausgedehnten ehemaligen Industriezone des Hinterlandes von Nord Milano gelegen, in Cinisello Balsamo, 10 km von Mailand entfernt. Dies ist eine Arbeiterstadt mit zahlreichen Einwanderern, die in der Folge in einer unter urbanistischem, sozialem und kulturellem Aspekt postindustriell strukturlosen und uneinheitlichen Welt versunken ist. In dieser Stadt und diesem Gebiet war es von entscheidender Bedeutung, die Bewohner zu gewinnen und ihnen dieses für sie unerwartete Museum näherzubringen, denn sie waren ja nicht darauf vorbereitet, es zu akzeptieren und es zu besuchen.

Bild: Jochen Gerz, Salviamo la luna II, 2006-2007

Ich beschloss, Jochen Gerz um eine Zusammenarbeit zu bitten, denn ich wusste, dass er sich seit vielen Jahren bei wichtigen Projekten der öffentlichen Kunst engagiert, die sich das Ziel setzen, die Aktivitäten der zeitgenössischen Kunst zu hinterfragen. Dabei werden ganze Gemeinschaften in Aktionen, Auswahlprozesse und Verhaltensweisen mit einbezogen, die auf das Entstehen von “kollektiven Werken” ausgerichtet sind. Gerz sagte zu und kam Anfang 2005 nach Cinisello Balsamo; gemeinsam mit uns studierte er die Geschichte sowie die labile Identität der heutigen Stadt, und schliesslich rief er das Projekt “Salviamo la luna” (Wir retten den Mond) ins Leben. Dieses sollte sich über mehr als zwei Jahre erstrecken: bis zum September 2007. Der Titel spielt auf jene bekannte Geschichte an, von der sich der Begriff “Mondfischer”, der Spitzname für die Bewohner von Cinisello Balsamo, ableitet. Den Mond zu retten bedeutete innerhalb dieses Projektes, die Teilnehmer dazu anzuregen, spontan und idealerweise unvoreingenommen zu handeln und an dem Entstehen des Werkes mitzuwirken. Dabei sollte jenem Teil der Persönlichkeit Raum gelassen werden, der sich der Rationalität, der Logik und der Nützlichkeit entzieht und vielmehr den Impuls dazu gibt, auf eine kindliche, irrationale, ursprüngliche und verrückte Art zu handeln. Das Projekt war folgendermassen gedacht: die Menschen kommen ins Museum, um sich porträtieren zu lassen, sie beteiligen sich daran, einfach nur, um etwas gemeinsam zu unternehmen, sie schliessen sich zusammen, gehen auf die Strassen und tragen dabei das eigene Porträt in einer einsamen nächtlichen Demonstration (ohne dass es dabei einen Grund zum Demonstrieren gibt), sie bringen das Bild ins Museum zurück, sehen es zusammen mit den Bildern aller anderen ausgestellt und schliesslich erhalten sie im wechselseitigen Tausch das Porträt eines anderen – eines Unbekannten – und verpflichten sich, es bei sich selbst zu Hause aufzubewahren. Es war ein Spiel, das mit Ernsthaftigkeit gespielt werden sollte und in das Personen aller Altersgruppen, aller kulturellen Schichten sowie aller sozialen und ethnischen Zugehörigkeiten mit einbezogen wurden: Paare, junge und alte Menschen, Studenten, Sportler, Geistliche, Arbeiter und Rentner (insgesamt 2734 Personen!). Ein kollektives Spiel, das viele Menschen dazu veranlasst hat, das Museum (oft zum ersten Mal) zu betreten und auch noch weitere Male dorthin zurückzukehren, um das eigene Bild an den Wänden des Museums ausgestellt zu sehen, und sich um die Aufbewahrung der Werke bei sich zu Hause zu kümmern. Kurz und gut, um zu einem Museum – ihrem Museum – Vertrauen zu fassen, von dessen Existenz sie in den allermeisten Fällen nicht einmal Kenntnis hatten. Bei vielen vollzog sich diese Annäherung zunächst schüchtern und zögerlich: Im Laufe der unterschiedlichen Phasen des Projektes gewannen sie aber an Sicherheit, sie wurden mutiger und sie bezogen dann auch Verwandte und Freunde mit ein. Das Thema des Porträts erwies sich als sehr hilfreich, da sich ja ein jeder als ein Individuum innerhalb der Gemeinschaft fühlte. Das Museum wurde zu einem Ort der Mitwirkung, zu einem Vermittler im sozialen Bereich: die Teilnehmer wurden alle gemeinsam zu Urhebern des Werkes.

Bild: Salviamo la luna, exhibition, 2007

Aus dem zeitlichen Abstand von ein paar Jahren nach dem Abschluss des Projektes lässt sich feststellen, dass tatsächlich viele der Bürger, die daran teilgenommen hatten, weiterhin ins Museum gehen: zu den Ausstellungen, den Vorträgen oder den pädagogischen Projekten. Auf der Grundlage von “Wir retten den Mond” hat das Museum im Jahr 2008 ein weiteres Projekt entwickelt: “Mobile City”, an dem Dutzende von Jugendlichen mitgewirkt haben. Die museumspädagogische Abteilung hat sich die Erfahrungen, die mit “Wir retten den Mond” gewonnen wurden, zunutze gemacht und versucht seither mit unterschiedlichem Publikum im Sinne einer Mitwirkung zu arbeiten, wobei sich die Personen von einfachen Rezipienten in aktive Subjekte verwandeln. Aus dem Projekt "Salviamo la luna" konnte jeder für sich seinen Nutzen ziehen.

Roberta Valtorta ist wissenschaftliche Direktorin im Museum für Zeitgenössische Fotografie von Cinisello Balsamo-Milano. Sie beschäftigt sich mit der Sprache der zeitgenössischen Fotografie, mit der Fotografie als Kulturgut und als Kunstform sowie mit der Beziehung zwischen Fotografie und Territorium.

Artikel von Roberta Valtorta mit Quellenangaben als PDF >>

Das Buch zu "Salviamo la luna" ist erhältlich unter >>